Dos básicos para acertar con tus fotos: Iluminación creativa y composición minimalista

Conseguir mejores fotografías es el objetivo de PhotoClub y por eso vamos a contarte las dos novedades que incorporamos para ayudarte, con los últimos avances técnicos y de la mano de los mejores profesionales, a que tus imágenes brillen con luz propia.

No podíamos dejar que el mes acabase sin contaros nuestras novedades PhotoClub. En febrero hemos incorporado a nuestro catálogo a dos grandes fotógrafos, Nick Fancher y Denis Dubesset. Cada uno aporta técnicas y procedimientos, al color y a la composición, para aplicar en la toma de la imagen y en el revelado y convertir tus próximas fotos en auténticas #FotazasPhotoClub.

 Te contamos algunos secretos de estos títulos Croma y Los secretos de la fotografía minimalista para que decidas con cual te quedas o, si no puedes decidirte, hazte con ambos. ¡Te encantarán! 

Ponle color a tus imágenes con ‘Croma’

Aprender a trabajar con la luz es un hito importante en la carrera de cualquier fotógrafo y la capacidad de manipular la iluminación para que se ajuste a la visión que tenemos de una imagen es una habilidad que siempre hay que valorar. Por lo general, al hablar de la iluminación nos centramos en la calidad y en la cantidad de la luz, pero hay un tercer componente importante que influye en el aspecto final de la imagen: el color de la luz. En este libro, Croma, el fotógrafo Nick Fancher, especialista en iluminación dramática, enseña a desarrollar las habilidades para introducir el uso del color atrevido, creativo e intencionado en su trabajo. Es especialmente conocido por su método de trabajo con un equipo mínimo, a menudo en lugares poco convencionales.

Tanto si se utiliza una potente luz estroboscópica como si se emplea un pequeño flash en tu cámara, el libro contiene las técnicas necesarias para conseguir la mejor foto posible en cada momento. Fancher comienza con una explicación sobre la teoría del color, geles y equilibrio de blancos y, después explica cómo determinar qué colores complementan el motivo (ya sean personas u objetos). «Tras buscar en el mercado libros de técnicas fotográficas que enseñasen el uso del color en la fotografía, me di cuenta de que al parecer no había ninguno dedicado a este tema, así que me decidí a crear una herramienta integral para fotógrafos sobre la teoría y la exploración del color», afirma el propio autor.

La obra está ilustrada de principio a fin con imágenes expresivas e innovadoras, incluye también fotos del proceso entre bastidores, diagramas de iluminación y configuraciones de Lightroom para que el fotógrafo pueda seguir el desarrollo desde el concepto inicial hasta la edición final. Quizás la parte más importante del libro es esa en la que enseña los usos creativos del color, empleando técnicas como la mezcla de diferentes fuentes de luz, el uso del método drag the shutter (algo así como «estirar el obturador») o las opciones para modificadores de la iluminación, entre otras.

Queremos destacar uno de los capítulos más interesantes de este libro. Es el titulado «romper las reglas». Sí, después de aprender todo lo necesario, las mejores técnicas y su utilización más óptima para cada imagen, el fotógrafo propone empezar a utilizar «inadecuadamente» algunos de los procedimientos. Por ejemplo, ¿qué te parece si en vez de anular la luz ambiente naranja le damos más saturación? ¿Por qué no utilizar un gel corrector verde para anular el efecto fluorescente de la luz ambiente? O ya puestos, puedes saltarte todas las reglas a la torera y experimentar con distintas combinaciones de equilibrio de blancos y flashes con filtro.

Ahora que la «caja de herramientas» metafórica está llena de técnicas para trabajar con el color, lo mejor que puede hacer es empezar a utilizarlas. Puede experimentar con el uso de una combinación de técnicas para lograr imágenes interesantes: el método drag the shutter con un proyector, un globo con bloques de color, sombra triple con exposición múltiple… ¿Por qué no meterlas todas en una imagen? Exposición múltiple de un sujeto, iluminado con un proyector y un flash triple CMY, disparado a través de una planta mientras utiliza drag the shutter. Pásalo bien explorando.

Utiliza el hashtag #chromaanywhere para que así todos podamos compartir las locuras que se te ocurran.

«¡Sera divertido, lo prometo!», advierte Fancher.

Menos es más o ‘Los secretos de la fotografía minimalista’

El minimalismo es una corriente artística, llamada también “arte mínimo”, impulsada en un primer momento por la escultura y la pintura. La estética de este movimiento inspiró después a todas las artes visuales. El fotógrafo minimalista tiene una mirada personal del mundo que le rodea, intentando crear imágenes gráficas, a veces depuradas, buscando únicamente retener lo esencial.

En esta obra titulada Los secretos de la fotografía minimalista, Denis Dubesset, fotógrafo profesional, detalla las diferentes maneras de concebir una foto minimalista: composiciones simplificadas al extremo, aislamiento del motivo, repetición de las formas, elección de la abstracción, pequeños detalles que el fotógrafo decide sublimar… Tratado todo bajo el prisma de distintas especialidades, como la foto urbana, el paisaje, las escenas cotidianas, la fotografía nocturna o los primeros planos. 

En lo que respecta a la fotografía, Dubesset está más próximo a aquellos que piensan que desde el momento en que componemos una escena, perdemos toda la objetividad. «Este acto constitutivo permite incluir elementos en una composición, pero también (y esto es lo más importante) excluir otros», afirma el autor. Así que este libro es una invitación a mirar el mundo con un «espíritu minimalista», acercándonos a la simplicidad del propósito y de las composiciones.

La filosofía que domina el método minimalista se resume en la frase «menos es más». Lo que hay que comprender es que la búsqueda constante de la simplicidad produce a menudo imágenes con un impacto visual considerable. Así, las cosas sencillas son capaces de suscitar emociones y de expresar conceptos, sin contenido superfluo. Para algunos, una buena imagen tiene a la fuerza que derivarse de un tema excepcional: no hay una buena imagen si lo que fotografiamos no tiene interés. Para el autor de este libro, el enfoque es sensiblemente diferente: importa poco qué intentamos poner en valor, lo que cuenta es la mirada. Así, si buscamos la simplicidad del estilo, el medio para obtenerlo puede ser, también, muy simple. Basta con usar nuestra mirada para aprender a capturar la quintaesencia de lo que nos rodea.

Te vamos a contar lo que no hay que hacer, es decir, los errores clásicos que se cometen y que pueden estropear la toma buscando el minimalismo. ¡Toma nota!

  • Desequilibrar la composición. No dar un contrapeso visual en la composición y transgredir la ley del equilibrio.
  • Centrar el sujeto de manera excesiva. Es normal decir que no se debe usar todo el encuadre. Es un error que cometen el 99 % de los principiantes: sitúan lo que quieren fotografiar en el centro de la imagen para asegurarse de no arruinarla.
  • Situar al sujeto en el borde del encuadre. Igualmente, si colocamos el motivo principal demasiado al borde de la imagen, se encontrará alejado de los puntos fuertes (regla de los tercios) y la mirada se arriesgará a «atascarse» en el límite de la foto.
  • Horizonte inclinado. Cuando la línea del horizonte no está totalmente recta perturba al espectador y a veces dará la sensación de mareo.

 «La búsqueda minimalista empuja al fotógrafo a ver el mundo de otro modo. Esto es fotografía pura», afirma Dubesset.

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